El arte conceptual y su desarrollo actual: entre la idea y la institución

Desde que Marcel Duchamp colocó un urinario en una galería y lo tituló Fountain en 1917, el arte conceptual quedó sembrado como una semilla que cuestionaría, para siempre, la naturaleza misma del arte. ¿Qué es arte? ¿Dónde empieza y termina? ¿Es la técnica necesaria o la idea suficiente? Preguntas como estas comenzaron a permear la práctica artística, alejándola del objeto como fin último y acercándola al pensamiento como núcleo de creación.

Décadas más tarde, en los años 60 y 70, esta semilla germinó en un movimiento con nombre propio: el arte conceptual. Joseph Kosuth, en su obra One and Three Chairs, proponía una instalación con una silla, una fotografía de esa silla y la definición de “silla” en un diccionario. La pieza no trataba sobre el mueble, sino sobre el lenguaje, la percepción, el sistema de representación. El arte se convirtió en una investigación filosófica.

Sol LeWitt, otro de los pioneros, afirmó que "la idea se convierte en una máquina que hace el arte". Esta frase definió el espíritu de una generación que desmaterializó la obra: lo importante no era la ejecución, sino el concepto. La autoría, la permanencia, el objeto mismo comenzaron a desvanecerse en favor de lo inmaterial, lo efímero, lo procesual.

En las últimas décadas, sin embargo, el arte conceptual ha mutado. Su carácter transgresor se institucionalizó. Museos, bienales y ferias globales —en vez de resistirlo— lo absorbieron. Lo que alguna vez fue una provocación al sistema artístico, hoy a menudo se encuentra en el centro de él. Obras que antes se rebelaban contra el mercado, hoy son comisionadas por él.

En este contexto, artistas como Damien Hirst han llevado el concepto a escalas monumentales y presupuestos millonarios, a veces con propuestas que provocan más polémica que reflexión. Mientras tanto, otros creadores contemporáneos como Tino Sehgal, quien produce obras sin objetos, sin grabaciones, ni documentación alguna, mantienen viva la esencia intangible del arte conceptual original.

Lo cierto es que en este presente híperconectado y saturado de imágenes, el arte conceptual ha encontrado un nuevo campo de exploración: las ideas como experiencia, las ideas como acción, las ideas como espacio de resistencia simbólica. El cuerpo, la política, el lenguaje, los algoritmos, la memoria y el archivo se han convertido en sus materiales.

Al mismo tiempo, la barrera entre el arte y lo cotidiano se ha hecho más difusa. ¿Es arte conceptual una performance transmitida en TikTok que interpela las dinámicas del capitalismo digital? ¿O una instalación en una feria que necesita cinco páginas de texto curatorial para sostenerse?

Mucho del arte conceptual actual enfrenta el riesgo de volverse autorreferencial, encerrado en una élite de códigos y discursos que exigen un alto nivel de especialización para ser comprendidos. Pero también hay propuestas que logran romper esa burbuja y conectar con el espectador de forma directa, sin renunciar a la complejidad. Tal vez el desafío contemporáneo del arte conceptual sea ese: seguir siendo idea, pero también experiencia; seguir siendo pensamiento, pero también emoción.

Así, entre la radicalidad de sus orígenes y la sofisticación institucional de hoy, el arte conceptual continúa mutando. Ya no busca sólo redefinir qué es arte, sino cómo pensamos, cómo habitamos, cómo recordamos, cómo nos relacionamos.

Y en este panorama, cabe preguntarse:

¿a quién le pertenece hoy la idea en el arte, y para quién se está pensando?